藝術一直是 The Hari 品牌 DNA 的一部分，亦是 The Hari Hong Kong 的核心之一。自開業以來，酒店一直熱衷在各空間設置珍貴獨特的藝術品，其中大部分由倫敦知名藝術機構 A Space for Art 策劃。 繼其姊妹酒店 The Hari London 聯乘 A Space For Art 舉辦的「The Hari 藝術獎」在倫敦獲得空前成功後，The Hari Hong Kong 將這項意義非凡的活動帶到香港，為年輕的本土藝術家們提供一個可盡情綻放藝術才華與光芒的舞台，同時為推動近年本地越趨繁華的藝術景象出一分力。
繼2025年活動圓滿成功，香港夏利酒店欣然宣布第三屆「The Hari 藝術獎」正式啟動，此項目將成為酒店年度藝術計劃的重要環節。
歡迎任何主題及形式的藝術作品 (需處於本地) ，創作媒介與題材不限，共同展現本地藝術活力。
得獎名單將於2026年4月在香港夏利酒店舉辦的頒獎典禮上公佈。冠軍得主將獲得由夏利里拉酒店有限公司董事主席及行政總裁夏雅朗博士 (Dr. Aron Harilela) 慷慨捐贈的港幣十萬元現金獎。
亞軍將獲得酒店住宿禮遇，包括入住高級客房一晚，免費享用早餐及於Lucciola或Zoku享用晚餐。而季軍則可獲酒店住宿禮遇，包括入住高級客房一晚，免費享用早餐及於Lucciola或Zoku享用午餐。
入圍作品將有機會於酒店展出，並於「The Hari藝術獎」網站的專頁上展示，讓客人深入了解每件作品背後的創作過程。
「The Hari 藝術獎2026」已截止報名。
今年，我們收到近700份參賽作品，這不僅是數字的躍升，更見證本地藝術創作的蓬勃活力。
與藝術顧問A Space For Art攜手，我們欣然公佈第三屆「The Hari 藝術獎」18強入圍名單。這些脫穎而出的作品，將於4月16日在香港夏利酒店舉行的頒獎典禮上亮相。
Hopping, 2022
Ailsa Wong的創作實踐橫跨繪畫、錄像、影像創作、遊戲及裝置藝術。她致力探索意識與原始情感的連結，試圖填補信仰的真空。她的溝通語彙源於破碎的生活經驗，在意義的不斷消解與重構中尋找出口。
Hopping是其早期探索數位質感與影像創作可能性的作品。畫中三隻兔子正處於躍動的瞬間，懸浮在既熟悉又動盪的景觀之中。藝術家並未將其置於明確的時空，而是將場景化為層疊的色域、漸變與噪點，讓「動態」超越「場域」成為主角。作品刻意保留了不均勻且不完美的數位紋理，抗拒數位影像一貫的平滑感；透過刮痕、滲色與半透明層次的堆疊，呼應破碎的感知與轉瞬即逝的情緒。兔子在此並非單純的象徵，而是感官的載體，體現了動盪中的脆弱，以及對扁平現實的一抹無聲抵抗。
Mist Finder, 2025
Alonso Odria 透過解構自然形態與結構，探索大地的抽象美學。其靈感源自地質演變與自然環境，細微觀察大自然的建構過程——從板塊運動的壯闊位移，到苔蘚與枝葉生長的靜謐之美。
在雕塑與繪畫創作中，「碎片」成為其核心語彙。這些碎片演化成形態各異的載體，經由層疊與重組，呼應自然界的成形與轉化。這一切創作基石，深植於藝術家故鄉的歷史底蘊，以及他在東亞生活的文化體悟。最終，作品在文化遺產與主宰自然世界的原始力量之間，找到了最動人的交匯點。
“Lama’s Hand“, 2024
俄羅斯藝術家 Anastasia Fabritskaya 畢業於頂尖的蘇里科夫美術學院(Surikov Institute)，以其細膩的雕塑語言活躍於國際藝術界。從莫斯科到香港，她透過多樣化的材質——青銅、木材、陶瓷與石膏，編織出一場場視覺對話。
Fabritskaya 擅長運用青銅、石膏、木材與陶瓷進行創作。她將人體形態的美感視為內在經驗的投影，透過雕塑紀錄一場關於自我探索、精神追求以及與自然共生的生命旅程。每一件作品都凝聚了她對心靈連結的深切渴望，展現出靜謐而強大的感染力。
Mahjong bridge, 2014
出生於香港的雕塑家 Anton Poon，作品核心圍繞著文化轉變與個人身分認同的辯證。他在 13 歲移居澳洲，這段成長經歷驅使他透過藝術創作，細膩捕捉穿梭於兩種文化間的複雜情感與歸屬感。
他擅長將鉛筆屑、橋樑、隧道及魔方等日常意象轉化為符號，隱喻人生的過渡與層層遞進的探索旅程。在媒材選擇上，他運用鋁、青銅及耐候鋼（Corten steel），利用材質隨時間更迭而產生風化與質變的特性，呼應身分的流動性，以及生命旅程中不斷演變的本質。
In Silver
Brendan Fitzpatrick 是一位屢獲殊榮的具象藝術家，生活並創作於倫敦與香港兩地。他先後就讀於中央聖馬丁學院與皇家繪畫學校，隨後前往佛羅倫斯的 Charles H. Cecil Studios 深造，並受邀留校任教。
Fitzpatrick 的創作靈感源於他邂逅的每一位人物，並透過油彩昇華彼此間的連結。他堅持以「直接觀察」進行創作，與畫中人物展開一場跨越現實與想像的對話。他運用筆觸賦予主體力量，或透過繁複的疊色 (Glazing) 營造出獨特的質感與光澤。對他而言，蘊含人文溫度的工藝與時代脈絡至關重要；在瞬息萬變的社會中，他致力於捕捉細微的張力，將深厚的古典繪畫底蘊與香港這座充滿「秩序與混沌」的城市完美交織。
Medusa From Above, 2025
現居香港的法國藝術家兼藝術總監 Kami（本名 Camille Benoit），其創作核心在於探索「數位設計」與「手工製作」之間的對稱與衝突。她選擇以「紙張」作為載體，將這種對比感極大化。Kami 對紙藝的熱忱源於巴黎 Penninghen 藝術學院攻讀藝術總監碩士期間，並將其轉化為獨特的視覺語言。
這件雕塑作品以創意視角捕捉了水母俯瞰時的靈動之美。藝術家選用白色珍珠光澤紙材，利用其折射光線的特性，營造出迷人的光影變幻。從細膩的輪廓設計到數百個組件的手工塑形與組裝，每一處細節都展現了匠心獨具的手感溫度。
Donkey: Never see a flying angel, 2026
Xie Chengxuan出生於廣州，2020 年畢業於香港中文大學藝術系，隨後於 2023 年取得倫敦皇家藝術學院 (Royal College of Art) 繪畫碩士學位。
Xie Chengxuan的創作以壓克力及複合媒材為主，實踐的核心在於「解構」。他將物件簡化為最基礎的視覺元素——點、線、面、色塊與紋理，並將其重新建構。由於每位觀者具備不同的文化背景與個人感知，作品往往能引發多元的解讀。在最終的畫面中，各個獨立元素持續產生碰撞與互動，使作品表面始終維持著一種「未竟的對話」，充滿動態的思辨空間。
Sunlit Lovers 曦, 2026
出生於香港的 Enna Cheung（是一位專注於版畫創作的藝術家。她將肌膚視為記憶的載體，把人與人之間親密而轉瞬即逝的連結，轉化為恆久的印記。從肌膚到印版，再到紙張，她的創作旨在為真實的連結構建一個充滿安全感的空間。
《曦》是 Enna 專為此次展覽量身打造的作品，靈感源自於她對情感連結與精緻款待文化的體悟。作品生動捕捉了戀人相擁的親密姿態，並採用了她於 2025 年研發的創新版畫技法——這是在與 Print Contemporary 合作個展後，她對軟蠟凹版技法的進階實踐。透過銅版的蝕刻與壓印，她將那些轉瞬即逝的觸碰，轉化為具備雕塑質感的視覺藝術，呼應了 The Hari 追求細節與溫度的空間哲學。
The Lightness of Water
Jennifer Yue Yuen Yu是一位跨領域藝術家兼獨立策展人。她的創作實踐致力於探索身體在生態、文化與個人層面中的詩意演變。余氏的藝術視角根植於水的多重異質空間 (Heterotopia)——從深井、河流延伸至海洋；透過遷徙敘事、物質記憶與生物研究，她細緻考察身分如何在動盪不安的環境中浮現、消解與重組。
在水下，紅光是最先消失的色彩，原本溫熱鮮艷的色澤會隨深度增加而變得黯淡；而在陸地上，紅色顏料若長期曝曬於陽光下，亦會逐漸褪色、轉趨淡藍。在本作中，藝術家並置了「水底感知」與「陽光曝曬」這兩種現實，模擬出一片珊瑚礁海床。她刻意保留珊瑚原始的橘紅色調，並將影像印製成類似旅遊景點背景的背幕。在展出過程中，海報持續受陽光直射，色彩隨時間緩慢漂白褪去，記錄下環境與光線對物質的無聲侵蝕。
Head nor Tail, 2022
現居香港的菲律賓跨領域藝術家 Katrina Leigh Mendoza Raimann，畢業於倫敦藝術名校 Goldsmiths。她的創作媒介橫跨纖維藝術、裝置與行為藝術，致力於述說關於親密關係、情感連結與身體經驗的故事。
作品Head nor Tail展現了如同錢幣兩面般的對比美學。作品的「正面」呈現出規整且細緻的刺繡工藝；而「背面」則刻意揭露了交織纏繞、原始且混亂的線條。Katrina 希望透過這種翻轉，重新定義美的標準——不僅在於表象的完美，更在於那些被隱藏的、真實且混亂的側面，同樣具備動人的力量與深度。
Flow of Life, 2025
現居香港的張祈峯 (Kiefer Cheung) 是一位演員、導演，同時也是一位自學成才的類比攝影師 (Analogue Photographer)。憑藉對電影與表演藝術的深厚熱情，他為靜態影像注入了獨特的電影感與戲劇張力。
張祈峯主要使用 35mm 及中片幅底片創作，致力於捕捉日常生活中轉瞬即逝的片刻，揭示平凡瞬間中被忽略的人文印記。他的創作融合了街頭攝影的隨性，並大膽嘗試打破常規的實驗性手法——透過非傳統的構圖、光影與快門時機，使每一張照片都宛如一幀靜謐的電影劇照或一場無聲的行為藝術。他特意選用黑白底片以剔除色彩的干擾，還原存在最原始、最本質的形態。他的鏡頭聚焦於牧羊人與羊群，使牠們超越了田園背景的框架，在細膩的灰色調中化為流動的生命象徵。
15 West, 21/02/2022, 17:16 – 21/03/2022, 18:50
土生土長的香港畫家 Kitty Ng，將繪畫視為一場對「時間性」、「慾望」與「記憶」的視覺探究。她深切關注幽默、焦慮、反諷、渴望與抗爭等情感，如何在這些意識結構的交織中浮現。在視覺語言上，她重新詮釋色彩的運用，並透過符號、手勢與色塊的重複堆疊，結合中國傳統繪畫中的「留白」技法，在「刻意安排」與「自動書寫」之間尋找平衡。她的作品不僅是感官的紀錄，更是內心世界與現實邂逅後的感性迴響。
Chartres Garden
Lily Cheung的創作聚焦於繪畫與刺繡，藉此探索個人與社會之間錯綜複雜的動力關係。她在不同文化環境間遊歷與求學的經驗，深切影響了其創作路徑，使她傾向於實驗性的嘗試，並致力於挑戰媒材的既有邊界。
在最新系列作品中，張氏透過「閃爍的反身性」與「不透明性」等視角，考察現代生存中那種動盪不安的本質。作品捕捉了個體在變換莫測的社會與經濟景觀中導航時，所面臨的內在衝突。畫面上散落著細微的女性特質痕跡，為宏大的社會評論增添了一層親密的人文細節，映照出當代社會的變動不居，以及身分碎片化後不可避免的迷失感。
Pasting Up: Toxicant, 2023
Lo Lai Lai Natalie曾任旅遊記者，現專注於食物、耕種、發酵、監控及冥想等課題。她透過農耕實踐，結合攝影、錄像與裝置，探索與自然互動的多重路徑。
作品Pasting Up: Toxicant借用壁紙的裝飾性語彙，揭示隱藏在華麗表面下的威脅。藝術家以自然史插畫般的細膩筆觸，在木板上用油彩描繪出植物、真菌與昆蟲等有毒生物。此創作靈感源於歷史上曾含有大量砒霜的綠色壁紙——當壁紙象徵著家居的舒適與美感時，這件作品卻悄然揭開了危險中的相互依存：捕食者與獵物、毒素與生存之間的化學親密關係。透過模擬裝飾美學，作品邀請觀者重新審視大自然的脆弱與複雜，在優雅與致命並存的糾纏中，看見美背後隱藏的暴力與張力。
When the center point is lost
Man Mei To生活及創作於香港與倫敦兩地。她的藝術實踐透過觀察身體的親密感，探索城市景觀與生活百態。她致力於透過複製、重構或量化日常生活中的元素，喚起大眾對萬物存在的關注，並揭示其脆弱與沉默之間的關聯。這種對日常微觀層面的專注，使她的作品能向外延伸，將個人歷史與社會發展並置，觀察人類流動與土地轉型，以及勞動中帶來的迷失感。這些主題構成了她對藝術創作中流動性與張力的持續探索，並特別聚焦於「流動性 (Liquidity)」這一概念。
身體的部位，尤其是「雙手」，在她的作品中是承載無聲意義的容器。身體語言揭示了言語無法傳達的情感：它傳承了傳統、反映了社會變遷，並記錄了個人歷史。透過姿態與媒材的運用，她鏡射出主體的內在生命以及勞動本身的本質。
Trial Piece C60St90>C100St50, 2025
現居香港的藝術家 Rivian Cheung ，其創作實踐以雕塑為核心。她致力於研究與探索自然媒材的本質與潛力，經常將植物的物理性解構作為主要的創作手段。近年來，她研習傳統造紙技法，試圖將民間手工藝融入當代雕塑實踐中。在透過操弄多樣媒材進行個人表達的同時，她亦強調展現材質本身獨有的原生特質。
在作品Trial Piece C60St90>C100St50中，每一絲自然纖維都承載著各自的故事。這些源於樹木與未經加工植物的纖維，刻劃著時間的痕跡與大自然的力量。這些原本作為自然界副產物的色澤與紋理，在她的手中被賦予了全新的定義。透過這件作品，張氏不僅創造了一個靜態的藝術物件，更將關於媒材、技法以及她對當代紙藝的體悟，永恆地定格為一場跨越時空的對話。
Freud’s Room, 2024
Wong Sze Wai透過揉合記憶、想像與歷史的「精神景觀」，探索個人與集體敘事間的交織。她著迷於被遺棄的空間與荒廢的物件；那些靜默的殘骸映照出她內心的孤寂感，並與潛藏的童年記憶產生共鳴。
她採用古老的石窟壁畫技法，透過泥土、礦物顏料與水墨的層疊堆砌，營造出模擬歲月更迭的斑駁質感。這種創作方式讓她能傳達出物理與情感上的雙重深度——每一層疊加都代表了一個被保留、被改寫或被抹除的瞬間。她的繪畫多以遊樂場、故居與庭院為題，這些空間曾滿載生活氣息，如今則作為人類活動的過往殘影而存在，訴說著時間的流逝。
Betwixt/Arcane 2, 2025
Tobe Kan的藝術實踐聚焦於人類環境中植物共生的細微觀察，其靈感多源自日常散步、公園及植物園。她的創作橫跨繪畫、素描與裝置藝術，持續探索「臨界狀態」(Liminality)、「無常」、「距離」與「身分」等課題。
這一系列作品源於她在英國與歐洲生活期間對身分認同的深刻反思。藝術家深受那些介於私人與公共、定居與遷徙之間的「中間地帶」所吸引。對她而言，The Hari 的空間提供了一種暫時性的棲居——它既熟悉得令人感到安全，又充滿了無數旅人交織的氣息。這組作品旨在引起那些在不同空間與時刻中漂泊的人們的共鳴，探討我們如何在攜帶著無法褪去、只能重新植根的記憶中，學習安住於當下。
夏利里拉酒店有限公司董事主席及行政總裁
自一九五九年創立至今，夏利里拉集團始終由夏利里拉家族全資擁有，作為植根香港的私人企業，在酒店投資與管理領域積累逾六十年深厚經驗。集團旗下擁有及營運約十五間酒店物業，網絡遍佈香港、中國內地、亞洲、歐洲及美國。
近年集團積極開拓自有品牌，倫敦夏利酒店於二零一六年八月正式開幕，香港夏利酒店亦於二零二零年十二月隆重啟業，標誌著企業發展的重要里程碑。
倫敦知名藝術機構 A Space For Art 創辦人及總監
Charlie Smedley先生作為A Space For Art創辦人暨藝術總監，始終以前瞻視野搭建藝術交流平台，薈萃國際級藝術家與文化機構，為全球頂級餐廳、奢華品牌及企業策劃流動藝術典藏。
逾十年來，A Space For Art始終走在藝術與空間對話的前沿，持續將精緻藝術引入英國及全球各地的非凡場域，成就跨越疆界的美學對話。
白立方亞洲區董事總經理
Wendy Xu於2017年加入白立方，在管理區域營運及推動畫廊亞洲業務發展方面擔當關鍵角色。
白立方作為國際頂尖當代藝術畫廊，旗下匯聚逾60位國際級藝術家及藝術家遺產基金。秉持「藝術賦予生命豐盛底蘊」的核心理念，白立方於紐約、倫敦、巴黎、香港及首爾五大藝術樞紐持續呈現跨大陸展覽企劃。
TASCHEN亞洲零售總監
TASCHEN亞洲零售總監Frankie Ho將其對藝術與商業的雙重熱忱注入職責，立足香港並積極推動品牌於亞太地區的戰略拓展與文化佈局。
憑藉對藝術的敏銳鑑賞力及深厚的市場洞察，Frankie致力在亞洲打造TASCHEN獨特的品牌體驗，引領眾人踏入這個絢麗而大膽的出版世界——從建築、情色美學、藝術設計、時尚攝影，至流行文化、生活風格與旅遊哲學，盡藏於其引人入勝的典藏書籍之中。
Ben Brown Fine Arts 董事總經理
韓宛筠女士將憑藉其於紐約Mitchell-Innes & Nash畫廊積累的深厚經驗，主理Ben Brown Fine Arts 畫廊業務拓展並協同團隊深化策展規劃。
畫廊由蘇富比資深專家Ben Brown於2004年在倫敦創立，2008年即於布魯克斯街擴建第二空間。隨着2009年進駐香港畢打行開設畫廊，正式開啟其國際化佈局的里程碑。
CHANEL北亞洲區藝術與文化總監
李安琪是一位致力透過策劃沉浸式藝術體驗，構建大眾與藝術深度連結的文化工作者。
生於中國的她，人生軌跡遍及南京、克利夫蘭、舊金山、洛杉磯與劍橋。2019年移居香港，出任獨立藝術空間Para Site教育與公共項目策展人。平日是全心投入的藝術職人，閒暇時則化身視覺敘事者，在創作中找尋心靈的棲息。
本地藝術家陳嘉翹 (Chan Ka Kiu) 憑藉其錄像裝置作品《手手》榮獲冠軍，並獲得由夏利里拉酒店有限公司董事主席及行政總裁夏雅朗博士(Dr. Aron Harilela) 慷慨捐贈的港幣 $100,000 獎金。
藝術家王思遨 現於香港生活與創作。其作品以極簡的多媒介手法，將藝術轉化為充滿探詢意味的載體，透過隱喻式的提問，直指當代溝通中的斷裂與懸念。
她擅長運用文字遊戲與時間的虛幻概念，編織出充滿詩意的敘事結構，在精煉的視覺語言中，展現對人際疏離與時間流逝的深刻沉思。
跨領域藝術家吳佳儒遊走於繪畫、裝置與動態影像之間，其創作深入探討神話敘事、文化傳統、歷史記憶與當代現實的複雜關係。
近期作品《spillovers_i & ii》源自藝術家對自動繪畫的再探索，融合抽象與具象元素，引領觀者凝視當代社會中那些難以言表的暴力細語。這組互動作品更暗藏巧思：歡迎觀眾開啟閃光燈拍攝，透過鏡頭捕捉畫布上隱而未顯的折射視角，揭示作品深層的隱喻維度。
