黃雅珊 (Ailsa Wong)
Hopping (2022)
黃雅珊 (Ailsa Wong) 的創作實踐橫跨繪畫、錄像、影像創作、遊戲及裝置藝術。她致力探索意識與原始情感的連結，試圖填補信仰的真空。她的溝通語彙源於破碎的生活經驗，在意義的不斷消解與重構中尋找出口。
Alonso Odria
Mist Finder (2025)
Alonso Odria 透過解構自然形態與結構，探索大地的抽象美學。其靈感源自地質演變與自然環境，細微觀察大自然的建構過程——從板塊運動的壯闊位移，到苔蘚與枝葉生長的靜謐之美。
在雕塑與繪畫創作中，「碎片」成為其核心語彙。這些碎片演化成形態各異的載體，經由層疊與重組，呼應自然界的成形與轉化。這一切創作基石，深植於藝術家故鄉的歷史底蘊，以及他在東亞生活的文化體悟。最終，作品在文化遺產與主宰自然世界的原始力量之間，找到了最動人的交匯點。
Anastasia Fabritskaya
Lama’s Hand (2024)
俄羅斯藝術家 Anastasia Fabritskaya 畢業於頂尖的蘇里科夫美術學院(Surikov Institute)，以其細膩的雕塑語言活躍於國際藝術界。從莫斯科到香港，她透過多樣化的材質——青銅、木材、陶瓷與石膏，編織出一場場視覺對話。
Fabritskaya 擅長運用青銅、石膏、木材與陶瓷進行創作。她將人體形態的美感視為內在經驗的投影，透過雕塑紀錄一場關於自我探索、精神追求以及與自然共生的生命旅程。每一件作品都凝聚了她對心靈連結的深切渴望，展現出靜謐而強大的感染力。
潘星瑋（Anton Poon）
Mahjong bridge (2014)
出生於香港的雕塑家潘星瑋（Anton Poon），作品核心圍繞著文化轉變與個人身分認同的辯證。他在 13 歲移居澳洲，這段成長經歷驅使他透過藝術創作，細膩捕捉穿梭於兩種文化間的複雜情感與歸屬感。
他擅長將鉛筆屑、橋樑、隧道及魔方等日常意象轉化為符號，隱喻人生的過渡與層層遞進的探索旅程。在媒材選擇上，他運用鋁、青銅及耐候鋼（Corten steel），利用材質隨時間更迭而產生風化與質變的特性，呼應身分的流動性，以及生命旅程中不斷演變的本質。
費博東（Brendan Fitzpatrick）
In Silver
費博東（Brendan Fitzpatrick） 是一位屢獲殊榮的具象藝術家，生活並創作於倫敦與香港兩地。他先後就讀於中央聖馬丁學院與皇家繪畫學校，隨後前往佛羅倫斯的 Charles H. Cecil Studios 深造，並受邀留校任教。
費博東的創作靈感源於他邂逅的每一位人物，並透過油彩昇華彼此間的連結。他堅持以「直接觀察」進行創作，與畫中人物展開一場跨越現實與想像的對話。他運用筆觸賦予主體力量，或透過繁複的疊色 (Glazing) 營造出獨特的質感與光澤。對他而言，蘊含人文溫度的工藝與時代脈絡至關重要；在瞬息萬變的社會中，他致力於捕捉細微的張力，將深厚的古典繪畫底蘊與香港這座充滿「秩序與混沌」的城市完美交織。
Kami (Camille Benoit)
Medusa From Above (2025)
現居香港的法國藝術家兼藝術總監 Kami（本名 Camille Benoit），其創作核心在於探索「數位設計」與「手工製作」之間的對稱與衝突。她選擇以「紙張」作為載體，將這種對比感極大化。Kami 對紙藝的熱忱源於巴黎 Penninghen 藝術學院攻讀藝術總監碩士期間，並將其轉化為獨特的視覺語言。
這件雕塑作品以創意視角捕捉了水母俯瞰時的靈動之美。藝術家選用白色珍珠光澤紙材，利用其折射光線的特性，營造出迷人的光影變幻。從細膩的輪廓設計到數百個組件的手工塑形與組裝，每一處細節都展現了匠心獨具的手感溫度。
謝承軒（Cheungxuan Xie）
Donkey: Never see a flying angel (2026)
謝承軒（Cheungxuan Xie）出生於廣州，2020 年畢業於香港中文大學藝術系，隨後於 2023 年取得倫敦皇家藝術學院 (Royal College of Art) 繪畫碩士學位。
謝承軒的創作以壓克力及複合媒材為主，實踐的核心在於「解構」。他將物件簡化為最基礎的視覺元素——點、線、面、色塊與紋理，並將其重新建構。由於每位觀者具備不同的文化背景與個人感知，作品往往能引發多元的解讀。在最終的畫面中，各個獨立元素持續產生碰撞與互動，使作品表面始終維持著一種「未竟的對話」，充滿動態的思辨空間。
張若菲 （Enna Cheung）
Sunlit Lovers 曦 （2026）
出生於香港的張若菲 （Enna Cheung）是一位專注於版畫創作的藝術家。她將肌膚視為記憶的載體，把人與人之間親密而轉瞬即逝的連結，轉化為恆久的印記。從肌膚到印版，再到紙張，她的創作旨在為真實的連結構建一個充滿安全感的空間。
《曦》是 Enna 專為此次展覽量身打造的作品，靈感源自於她對情感連結與精緻款待文化的體悟。作品生動捕捉了戀人相擁的親密姿態，並採用了她於 2025 年研發的創新版畫技法——這是在與 Print Contemporary 合作個展後，她對軟蠟凹版技法的進階實踐。透過銅版的蝕刻與壓印，她將那些轉瞬即逝的觸碰，轉化為具備雕塑質感的視覺藝術，呼應了 The Hari 追求細節與溫度的空間哲學。
余沅榆（Jennifer Yue）
The Lightness of Water
余沅榆（Jennifer Yue）是一位跨領域藝術家兼獨立策展人。她的創作實踐致力於探索身體在生態、文化與個人層面中的詩意演變。余氏的藝術視角根植於水的多重異質空間 (Heterotopia)——從深井、河流延伸至海洋；透過遷徙敘事、物質記憶與生物研究，她細緻考察身分如何在動盪不安的環境中浮現、消解與重組。
在水下，紅光是最先消失的色彩，原本溫熱鮮艷的色澤會隨深度增加而變得黯淡；而在陸地上，紅色顏料若長期曝曬於陽光下，亦會逐漸褪色、轉趨淡藍。在本作中，藝術家並置了「水底感知」與「陽光曝曬」這兩種現實，模擬出一片珊瑚礁海床。她刻意保留珊瑚原始的橘紅色調，並將影像印製成類似旅遊景點背景的背幕。在展出過程中，海報持續受陽光直射，色彩隨時間緩慢漂白褪去，記錄下環境與光線對物質的無聲侵蝕。
Katrina Leigh Mendoza Raimann
Head nor Tail (2022)
現居香港的菲律賓跨領域藝術家 Katrina Leigh Mendoza Raimann，畢業於倫敦藝術名校 Goldsmiths。她的創作媒介橫跨纖維藝術、裝置與行為藝術，致力於述說關於親密關係、情感連結與身體經驗的故事。
作品展現了藝術的雙面性：正面是規整精緻的刺繡，背面則是原始雜亂的交錯線條。藝術家旨在挖掘隱藏在混亂背後的美感，認為「雜亂」與「規整」的共存能激發出情感的爆發與流動。
作品透過交織的絲線將物質與情感連結，象徵著消逝的記憶與不可觸及的未來——在靜止的畫面中，展現出不斷變幻卻又瞬間凍結的生命張力。
張祈峯 (Kiefer Cheung)
Flow of Life (2025)
現居香港的張祈峯 (Kiefer Cheung) 是一位演員、導演，同時也是一位自學成才的類比攝影師 (Analogue Photographer)。憑藉對電影與表演藝術的深厚熱情，他為靜態影像注入了獨特的電影感與戲劇張力。
張祈峯主要使用 35mm 及中片幅底片創作，致力於捕捉日常生活中轉瞬即逝的片刻，揭示平凡瞬間中被忽略的人文印記。他的創作融合了街頭攝影的隨性，並大膽嘗試打破常規的實驗性手法——透過非傳統的構圖、光影與快門時機，使每一張照片都宛如一幀靜謐的電影劇照或一場無聲的行為藝術。他特意選用黑白底片以剔除色彩的干擾，還原存在最原始、最本質的形態。他的鏡頭聚焦於牧羊人與羊群，使牠們超越了田園背景的框架，在細膩的灰色調中化為流動的生命象徵。
吳施慧（Kitty Ng）
15 West, 21/02/2022, 17:16 – 21/03/2022, 18:50
土生土長的香港畫家吳施慧（Kitty Ng） ，將繪畫視為一場對「時間性」、「慾望」與「記憶」的視覺探究。她深切關注幽默、焦慮、反諷、渴望與抗爭等情感，如何在這些意識結構的交織中浮現。在視覺語言上，她重新詮釋色彩的運用，並透過符號、手勢與色塊的重複堆疊，結合中國傳統繪畫中的「留白」技法，在「刻意安排」與「自動書寫」之間尋找平衡。她的作品不僅是感官的紀錄，更是內心世界與現實邂逅後的感性迴響。
張因 （Lily Cheung）
Chartres Garden
張因 （Lily Cheung）的創作聚焦於繪畫與刺繡，藉此探索個人與社會之間錯綜複雜的動力關係。她在不同文化環境間遊歷與求學的經驗，深切影響了其創作路徑，使她傾向於實驗性的嘗試，並致力於挑戰媒材的既有邊界。
在最新系列作品中，張氏透過「閃爍的反身性」與「不透明性」等視角，考察現代生存中那種動盪不安的本質。作品捕捉了個體在變換莫測的社會與經濟景觀中導航時，所面臨的內在衝突。畫面上散落著細微的女性特質痕跡，為宏大的社會評論增添了一層親密的人文細節，映照出當代社會的變動不居，以及身分碎片化後不可避免的迷失感。
勞麗麗（Lo Lai Lai Natalie）
Pasting Up: Toxicant (2023)
勞麗麗（Lo Lai Lai Natalie）曾任旅遊記者，現專注於食物、耕種、發酵、監控及冥想等課題。她透過農耕實踐，結合攝影、錄像與裝置，探索與自然互動的多重路徑。
作品Pasting Up: Toxicant借用壁紙的裝飾性語彙，揭示隱藏在華麗表面下的威脅。藝術家以自然史插畫般的細膩筆觸，在木板上用油彩描繪出植物、真菌與昆蟲等有毒生物。此創作靈感源於歷史上曾含有大量砒霜的綠色壁紙——當壁紙象徵著家居的舒適與美感時，這件作品卻悄然揭開了危險中的相互依存：捕食者與獵物、毒素與生存之間的化學親密關係。透過模擬裝飾美學，作品邀請觀者重新審視大自然的脆弱與複雜，在優雅與致命並存的糾纏中，看見美背後隱藏的暴力與張力。
文美桃 (Man Mei To)
When the Center Point is Lost (2021)
文美桃 (Man Mei To)生活及創作於香港與倫敦兩地。她的藝術實踐透過觀察身體的親密感，探索城市景觀與生活百態。她致力於透過複製、重構或量化日常生活中的元素，喚起大眾對萬物存在的關注，並揭示其脆弱與沉默之間的關聯。這種對日常微觀層面的專注，使她的作品能向外延伸，將個人歷史與社會發展並置，觀察人類流動與土地轉型，以及勞動中帶來的迷失感。這些主題構成了她對藝術創作中流動性與張力的持續探索，並特別聚焦於「流動性 (Liquidity)」這一概念。
身體的部位，尤其是「雙手」，在她的作品中是承載無聲意義的容器。身體語言揭示了言語無法傳達的情感：它傳承了傳統、反映了社會變遷，並記錄了個人歷史。透過姿態與媒材的運用，她鏡射出主體的內在生命以及勞動本身的本質。
張穎欣 (Rivian Cheung)
Trial Piece C60St90>C100St50, 2025
現居香港的藝術家張穎欣 (Rivian Cheung)，其創作實踐以雕塑為核心。她致力於研究與探索自然媒材的本質與潛力，經常將植物的物理性解構作為主要的創作手段。近年來，她研習傳統造紙技法，試圖將民間手工藝融入當代雕塑實踐中。在透過操弄多樣媒材進行個人表達的同時，她亦強調展現材質本身獨有的原生特質。
在作品Trial Piece C60St90>C100St50中，每一絲自然纖維都承載著各自的故事。這些源於樹木與未經加工植物的纖維，刻劃著時間的痕跡與大自然的力量。這些原本作為自然界副產物的色澤與紋理，在她的手中被賦予了全新的定義。透過這件作品，張氏不僅創造了一個靜態的藝術物件，更將關於媒材、技法以及她對當代紙藝的體悟，永恆地定格為一場跨越時空的對話。
黃詩慧（Sze Wai Wong）
Freud’s Room (2024)
黃詩慧（Sze Wai Wong）透過揉合記憶、想像與歷史的「精神景觀」，探索個人與集體敘事間的交織。她著迷於被遺棄的空間與荒廢的物件；那些靜默的殘骸映照出她內心的孤寂感，並與潛藏的童年記憶產生共鳴。
她採用古老的石窟壁畫技法，透過泥土、礦物顏料與水墨的層疊堆砌，營造出模擬歲月更迭的斑駁質感。這種創作方式讓她能傳達出物理與情感上的雙重深度——每一層疊加都代表了一個被保留、被改寫或被抹除的瞬間。她的繪畫多以遊樂場、故居與庭院為題，這些空間曾滿載生活氣息，如今則作為人類活動的過往殘影而存在，訴說著時間的流逝。
簡喬倩（Tobe Kan）
Betwixt/Arcane 2 (2025)
簡喬倩（Tobe Kan）的藝術實踐聚焦於人類環境中植物共生的細微觀察，其靈感多源自日常散步、公園及植物園。她的創作橫跨繪畫、素描與裝置藝術，持續探索「臨界狀態」(Liminality)、「無常」、「距離」與「身分」等課題。
這一系列作品源於她在英國與歐洲生活期間對身分認同的深刻反思。藝術家深受那些介於私人與公共、定居與遷徙之間的「中間地帶」所吸引。對她而言，The Hari 的空間提供了一種暫時性的棲居——它既熟悉得令人感到安全，又充滿了無數旅人交織的氣息。這組作品旨在引起那些在不同空間與時刻中漂泊的人們的共鳴，探討我們如何在攜帶著無法褪去、只能重新植根的記憶中，學習安住於當下。
