黄雅珊 (Ailsa Wong)
Hopping (2022)
黄雅珊 (Ailsa Wong) 的创作实践横跨绘画、录像、影像创作、游戏及装置艺术。她致力探索意识与原始情感的连结，试图填补信仰的真空。她的沟通语汇源于破碎的生活经验，在意义的不断消解与重构中寻找出口。
Alonso Odria
Mist Finder (2025)
Alonso Odria 透过解构自然形态与结构，探索大地的抽象美学。其灵感源自地质演变与自然环境，细微观察大自然的建构过程——从板块运动的壮阔位移，到苔藓与枝叶生长的静谧之美。
在雕塑与绘画创作中，「碎片」成为其核心语汇。这些碎片演化成形态各异的载体，经由层叠与重组，呼应自然界的成形与转化。这一切创作基石，深植于艺术家故乡的历史底蕴，以及他在东亚生活的文化体悟。最终，作品在文化遗产与主宰自然世界的原始力量之间，找到了最动人的交汇点。
Anastasia Fabritskaya
Lama’s Hand (2024)
俄罗斯艺术家 Anastasia Fabritskaya 毕业于顶尖的苏里科夫美术学院(Surikov Institute)，以其细腻的雕塑语言活跃于国际艺术界。从莫斯科到香港，她透过多样化的材质——青铜、木材、陶瓷与石膏，编织出一场场视觉对话。
Fabritskaya 擅长运用青铜、石膏、木材与陶瓷进行创作。她将人体形态的美感视为内在经验的投影，透过雕塑纪录一场关于自我探索、精神追求以及与自然共生的生命旅程。每一件作品都凝聚了她对心灵连结的深切渴望，展现出静谧而强大的感染力。
潘星玮（Anton Poon）
Mahjong bridge (2014)
出生于香港的雕塑家 潘星玮（Anton Poon），作品核心围绕着文化转变与个人身分认同的辩证。他在 13 岁移居澳洲，这段成长经历驱使他透过艺术创作，细腻捕捉穿梭于两种文化间的复杂情感与归属感。
他擅长将铅笔屑、桥梁、隧道及魔方等日常意象转化为符号，隐喻人生的过渡与层层递进的探索旅程。在媒材选择上，他运用铝、青铜及耐候钢（Corten steel），利用材质随时间更迭而产生风化与质变的特性，呼应身分的流动性，以及生命旅程中不断演变的本质。
费博东（Brendan Fitzpatrick）
In Silver
费博东（Brendan Fitzpatrick）是一位屡获殊荣的具象艺术家，生活并创作于伦敦与香港两地。他先后就读于中央圣马丁学院与皇家绘画学校，随后前往佛罗伦斯的 Charles H. Cecil Studios 深造，并受邀留校任教。
Fitzpatrick 的创作灵感源于他邂逅的每一位人物，并透过油彩升华彼此间的连结。他坚持以「直接观察」进行创作，与画中人物展开一场跨越现实与想像的对话。他运用笔触赋予主体力量，或透过繁复的叠色 (Glazing) 营造出独特的质感与光泽。对他而言，蕴含人文温度的工艺与时代脉络至关重要；在瞬息万变的社会中，他致力于捕捉细微的张力，将深厚的古典绘画底蕴与香港这座充满「秩序与混沌」的城市完美交织。
Kami (Camille Benoit)
Medusa From Above (2025)
现居香港的法国艺术家兼艺术总监 Kami（本名 Camille Benoit），其创作核心在于探索「数位设计」与「手工制作」之间的对称与冲突。她选择以「纸张」作为载体，将这种对比感极大化。 Kami 对纸艺的热忱源于巴黎 Penninghen 艺术学院攻读艺术总监硕士期间，并将其转化为独特的视觉语言。
这件雕塑作品以创意视角捕捉了水母俯瞰时的灵动之美。艺术家选用白色珍珠光泽纸材，利用其折射光线的特性，营造出迷人的光影变幻。从细腻的轮廓设计到数百个组件的手工塑形与组装，每一处细节都展现了匠心独具的手感温度。
谢承轩（Cheungxuan Xie）
Donkey: Never see a flying angel (2026)
谢承轩（Cheungxuan Xie）出生于广州，2020 年毕业于香港中文大学艺术系，随后于 2023 年取得伦敦皇家艺术学院 (Royal College of Art) 绘画硕士学位。
Xie Chengxuan的创作以压克力及复合媒材为主，实践的核心在于「解构」。他将物件简化为最基础的视觉元素——点、线、面、色块与纹理，并将其重新建构。由于每位观者具备不同的文化背景与个人感知，作品往往能引发多元的解读。在最终的画面中，各个独立元素持续产生碰撞与互动，使作品表面始终维持着一种「未竟的对话」，充满动态的思辨空间。
张若菲 （Enna Cheung）
Sunlit Lovers 曦 (2026)
出生于香港的张若菲（Enna Cheung）是一位专注于版画创作的艺术家。她将肌肤视为记忆的载体，把人与人之间亲密而转瞬即逝的连结，转化为恒久的印记。从肌肤到印版，再到纸张，她的创作旨在为真实的连结构建一个充满安全感的空间。
《曦》是 Enna 专为此次展览量身打造的作品，灵感源自于她对情感连结与精致款待文化的体悟。作品生动捕捉了恋人相拥的亲密姿态，并采用了她于 2025 年研发的创新版画技法——这是在与 Print Contemporary 合作个展后，她对软蜡凹版技法的进阶实践。透过铜版的蚀刻与压印，她将那些转瞬即逝的触碰，转化为具备雕塑质感的视觉艺术，呼应了 The Hari 追求细节与温度的空间哲学。
余沅榆（Jennifer Yue）
The Lightness of Water
余沅榆（Jennifer Yue）是一位跨领域艺术家兼独立策展人。她的创作实践致力于探索身体在生态、文化与个人层面中的诗意演变。余氏的艺术视角根植于水的多重异质空间 (Heterotopia)——从深井、河流延伸至海洋；透过迁徙叙事、物质记忆与生物研究，她细致考察身分如何在动荡不安的环境中浮现、消解与重组。
在水下，红光是最先消失的色彩，原本温热鲜艳的色泽会随深度增加而变得黯淡；而在陆地上，红色颜料若长期曝晒于阳光下，亦会逐渐褪色、转趋淡蓝。在本作中，艺术家并置了「水底感知」与「阳光曝晒」这两种现实，模拟出一片珊瑚礁海床。她刻意保留珊瑚原始的橘红色调，并将影像印制成类似旅游景点背景的背幕。在展出过程中，海报持续受阳光直射，色彩随时间缓慢漂白褪去，记录下环境与光线对物质的无声侵蚀。
Katrina Leigh Mendoza Raimann
Head nor Tail (2022)
现居香港的菲律宾跨领域艺术家 Katrina Leigh Mendoza Raimann，毕业于伦敦艺术名校 Goldsmiths。她的创作媒介横跨纤维艺术、装置与行为艺术，致力于述说关于亲密关系、情感连结与身体经验的故事。
作品展现了艺术的双面性：正面是规整精致的刺绣，背面则是原始杂乱的交错线条。艺术家旨在挖掘隐藏在混乱背后的美感，认为「杂乱」与「规整」的共存能激发出情感的爆发与流动。
作品透过交织的丝线将物质与情感连结，象征着消逝的记忆与不可触及的未来——在静止的画面中，展现出不断变幻却又瞬间冻结的生命张力。
张祈峰 (Kiefer Cheung)
Flow of Life (2025)
现居香港的张祈峰 (Kiefer Cheung) 是一位演员、导演，同时也是一位自学成才的类比摄影师 (Analogue Photographer)。凭借对电影与表演艺术的深厚热情，他为静态影像注入了独特的电影感与戏剧张力。
张祈峰主要使用 35mm 及中片幅底片创作，致力于捕捉日常生活中转瞬即逝的片刻，揭示平凡瞬间中被忽略的人文印记。他的创作融合了街头摄影的随性，并大胆尝试打破常规的实验性手法——透过非传统的构图、光影与快门时机，使每一张照片都宛如一帧静谧的电影剧照或一场无声的行为艺术。他特意选用黑白底片以剔除色彩的干扰，还原存在最原始、最本质的形态。他的镜头聚焦于牧羊人与羊群，使它们超越了田园背景的框架，在细腻的灰色调中化为流动的生命象征。
吴施慧（Kitty Ng）
15 West, 21/02/2022, 17:16 – 21/03/2022, 18:50
土生土长的香港画家吴施慧（Kitty Ng），将绘画视为一场对「时间性」、「欲望」与「记忆」的视觉探究。她深切关注幽默、焦虑、反讽、渴望与抗争等情感，如何在这些意识结构的交织中浮现。在视觉语言上，她重新诠释色彩的运用，并透过符号、手势与色块的重复堆叠，结合中国传统绘画中的「留白」技法，在「刻意安排」与「自动书写」之间寻找平衡。她的作品不仅是感官的纪录，更是内心世界与现实邂逅后的感性回响。
张因 （Lily Cheung）
Chartres Garden
张因 （Lily Cheung）的创作聚焦于绘画与刺绣，借此探索个人与社会之间错综复杂的动力关系。她在不同文化环境间游历与求学的经验，深切影响了其创作路径，使她倾向于实验性的尝试，并致力于挑战媒材的既有边界。
在最新系列作品中，张氏透过「闪烁的反身性」与「不透明性」等视角，考察现代生存中那种动荡不安的本质。作品捕捉了个体在变换莫测的社会与经济景观中导航时，所面临的内在冲突。画面上散落着细微的女性特质痕迹，为宏大的社会评论增添了一层亲密的人文细节，映照出当代社会的变动不居，以及身分碎片化后不可避免的迷失感。
劳丽丽（Lo Lai Lai Natalie）
Pasting Up: Toxicant (2023)
劳丽丽（Lo Lai Lai Natalie）曾任旅游记者，现专注于食物、耕种、发酵、监控及冥想等课题。她透过农耕实践，结合摄影、录像与装置，探索与自然互动的多重路径。
作品Pasting Up: Toxicant借用壁纸的装饰性语汇，揭示隐藏在华丽表面下的威胁。艺术家以自然史插画般的细腻笔触，在木板上用油彩描绘出植物、真菌与昆虫等有毒生物。此创作灵感源于历史上曾含有大量砒霜的绿色壁纸——当壁纸象征着家居的舒适与美感时，这件作品却悄然揭开了危险中的相互依存：捕食者与猎物、毒素与生存之间的化学亲密关系。透过模拟装饰美学，作品邀请观者重新审视大自然的脆弱与复杂，在优雅与致命并存的纠缠中，看见美背后隐藏的暴力与张力。
文美桃 (Man Mei To)
When the center point is lost (2021)
文美桃 (Man Mei To) 生活及创作于香港与伦敦两地。她的艺术实践透过观察身体的亲密感，探索城市景观与生活百态。她致力于透过复制、重构或量化日常生活中的元素，唤起大众对万物存在的关注，并揭示其脆弱与沉默之间的关联。这种对日常微观层面的专注，使她的作品能向外延伸，将个人历史与社会发展并置，观察人类流动与土地转型，以及劳动中带来的迷失感。这些主题构成了她对艺术创作中流动性与张力的持续探索，并特别聚焦于「流动性 (Liquidity)」这一概念。
身体的部位，尤其是「双手」，在她的作品中是承载无声意义的容器。身体语言揭示了言语无法传达的情感：它传承了传统、反映了社会变迁，并记录了个人历史。透过姿态与媒材的运用，她镜射出主体的内在生命以及劳动本身的本质。
张颖欣 (Rivian Cheung)
Trial Piece C60St90>C100St50 (2025)
现居香港的艺术家张颖欣 (Rivian Cheung)，其创作实践以雕塑为核心。她致力于研究与探索自然媒材的本质与潜力，经常将植物的物理性解构作为主要的创作手段。近年来，她研习传统造纸技法，试图将民间手工艺融入当代雕塑实践中。在透过操弄多样媒材进行个人表达的同时，她亦强调展现材质本身独有的原生特质。
在作品Trial Piece C60St90>C100St50中，每一丝自然纤维都承载着各自的故事。这些源于树木与未经加工植物的纤维，刻划着时间的痕迹与大自然的力量。这些原本作为自然界副产物的色泽与纹理，在她的手中被赋予了全新的定义。透过这件作品，张氏不仅创造了一个静态的艺术物件，更将关于媒材、技法以及她对当代纸艺的体悟，永恒地定格为一场跨越时空的对话。
黄诗慧（Sze Wai Wong）
Freud’s Room (2024)
黄诗慧（Sze Wai Wong）透过揉合记忆、想像与历史的「精神景观」，探索个人与集体叙事间的交织。她着迷于被遗弃的空间与荒废的物件；那些静默的残骸映照出她内心的孤寂感，并与潜藏的童年记忆产生共鸣。
她采用古老的石窟壁画技法，透过泥土、矿物颜料与水墨的层叠堆砌，营造出模拟岁月更迭的斑驳质感。这种创作方式让她能传达出物理与情感上的双重深度——每一层叠加都代表了一个被保留、被改写或被抹除的瞬间。她的绘画多以游乐场、故居与庭院为题，这些空间曾满载生活气息，如今则作为人类活动的过往残影而存在，诉说着时间的流逝。
简乔倩（Tobe Kan）
Betwixt/Arcane 2 (2025)
简乔倩（Tobe Kan）的艺术实践聚焦于人类环境中植物共生的细微观察，其灵感多源自日常散步、公园及植物园。她的创作横跨绘画、素描与装置艺术，持续探索「临界状态」(Liminality)、「无常」、「距离」与「身分」等课题。
这一系列作品源于她在英国与欧洲生活期间对身分认同的深刻反思。艺术家深受那些介于私人与公共、定居与迁徙之间的「中间地带」所吸引。对她而言，The Hari 的空间提供了一种暂时性的栖居——它既熟悉得令人感到安全，又充满了无数旅人交织的气息。这组作品旨在引起那些在不同空间与时刻中漂泊的人们的共鸣，探讨我们如何在携带着无法褪去、只能重新植根的记忆中，学习安住于当下。
