藝術一直是 The Hari 品牌 DNA 的一部分，亦是 The Hari Hong Kong 的核心之一。自開業以來，酒店一直熱衷在各空間設置珍貴獨特的藝術品，其中大部分由倫敦知名藝術機構 A Space for Art 策劃。 繼其姊妹酒店 The Hari London 聯乘 A Space For Art 舉辦的「The Hari 藝術獎」在倫敦獲得空前成功後，The Hari Hong Kong 將這項意義非凡的活動帶到香港，為年輕的本土藝術家們提供一個可盡情綻放藝術才華與光芒的舞台，同時為推動近年本地越趨繁華的藝術景象出一分力。
继2025年活动圆满成功，香港夏利酒店欣然宣布第三届「The Hari 艺术奖」正式启动，此项目将成为酒店年度艺术计划的重要环节。
欢迎任何主题及形式的艺术作品 (需处于本地) ，创作媒介与题材不限，共同展现本地艺术活力。
得奖名单将于2026年4月在香港夏利酒店举办的颁奖典礼上公布。冠军得主将获得由夏利里拉酒店有限公司董事主席及行政总裁夏雅朗博士 (Dr. Aron Harilela) 慷慨捐赠的港币十万元现金奖。
亚军将获得酒店住宿礼遇，包括入住高级客房一晚，免费享用早餐及于Lucciola或Zoku享用晚餐。而季军则可获酒店住宿礼遇，包括入住高级客房一晚，免费享用早餐及于Lucciola或Zoku享用午餐。
入围作品将有机会于酒店展出，并于「The Hari艺术奖」网站的专页上展示，让客人深入了解每件作品背后的创作过程。
「The Hari 艺术奖2026」已截止报名。
今年，我们收到近700份参赛作品，这不仅是数字的跃升，更见证本地艺术创作的蓬勃活力。
与艺术顾问A Space For Art携手，我们欣然公布第三届「The Hari 艺术奖」18强入围名单。这些脱颖而出的作品，将于4月16日在香港夏利酒店举行的颁奖典礼上亮相。
Hopping, 2022
Ailsa Wong的创作实践横跨绘画、录像、影像创作、游戏及装置艺术。她致力探索意识与原始情感的连结，试图填补信仰的真空。她的沟通语汇源于破碎的生活经验，在意义的不断消解与重构中寻找出口。
Hopping是其早期探索数位质感与影像创作可能性的作品。画中三只兔子正处于跃动的瞬间，悬浮在既熟悉又动荡的景观之中。艺术家并未将其置于明确的时空，而是将场景化为层叠的色域、渐变与噪点，让「动态」超越「场域」成为主角。作品刻意保留了不均匀且不完美的数位纹理，抗拒数位影像一贯的平滑感；透过刮痕、渗色与半透明层次的堆叠，呼应破碎的感知与转瞬即逝的情绪。兔子在此并非单纯的象征，而是感官的载体，体现了动荡中的脆弱，以及对扁平现实的一抹无声抵抗。
Mist Finder, 2025
Alonso Odria 透过解构自然形态与结构，探索大地的抽象美学。其灵感源自地质演变与自然环境，细微观察大自然的建构过程——从板块运动的壮阔位移，到苔藓与枝叶生长的静谧之美。
在雕塑与绘画创作中，「碎片」成为其核心语汇。这些碎片演化成形态各异的载体，经由层叠与重组，呼应自然界的成形与转化。这一切创作基石，深植于艺术家故乡的历史底蕴，以及他在东亚生活的文化体悟。最终，作品在文化遗产与主宰自然世界的原始力量之间，找到了最动人的交汇点。
“Lama’s Hand“, 2024
俄罗斯艺术家 Anastasia Fabritskaya 毕业于顶尖的苏里科夫美术学院(Surikov Institute)，以其细腻的雕塑语言活跃于国际艺术界。从莫斯科到香港，她透过多样化的材质——青铜、木材、陶瓷与石膏，编织出一场场视觉对话。
Fabritskaya 擅长运用青铜、石膏、木材与陶瓷进行创作。她将人体形态的美感视为内在经验的投影，透过雕塑纪录一场关于自我探索、精神追求以及与自然共生的生命旅程。每一件作品都凝聚了她对心灵连结的深切渴望，展现出静谧而强大的感染力。
Mahjong bridge, 2014
出生于香港的雕塑家 Anton Poon，作品核心围绕着文化转变与个人身分认同的辩证。他在 13 岁移居澳洲，这段成长经历驱使他透过艺术创作，细腻捕捉穿梭于两种文化间的复杂情感与归属感。
他擅长将铅笔屑、桥梁、隧道及魔方等日常意象转化为符号，隐喻人生的过渡与层层递进的探索旅程。在媒材选择上，他运用铝、青铜及耐候钢（Corten steel），利用材质随时间更迭而产生风化与质变的特性，呼应身分的流动性，以及生命旅程中不断演变的本质。
In Silver
Brendan Fitzpatrick 是一位屡获殊荣的具象艺术家，生活并创作于伦敦与香港两地。他先后就读于中央圣马丁学院与皇家绘画学校，随后前往佛罗伦斯的 Charles H. Cecil Studios 深造，并受邀留校任教。
Fitzpatrick 的创作灵感源于他邂逅的每一位人物，并透过油彩升华彼此间的连结。他坚持以「直接观察」进行创作，与画中人物展开一场跨越现实与想像的对话。他运用笔触赋予主体力量，或透过繁复的叠色 (Glazing) 营造出独特的质感与光泽。对他而言，蕴含人文温度的工艺与时代脉络至关重要；在瞬息万变的社会中，他致力于捕捉细微的张力，将深厚的古典绘画底蕴与香港这座充满「秩序与混沌」的城市完美交织。
Medusa From Above, 2025
现居香港的法国艺术家兼艺术总监 Kami（本名 Camille Benoit），其创作核心在于探索「数位设计」与「手工制作」之间的对称与冲突。她选择以「纸张」作为载体，将这种对比感极大化。 Kami 对纸艺的热忱源于巴黎 Penninghen 艺术学院攻读艺术总监硕士期间，并将其转化为独特的视觉语言。
这件雕塑作品以创意视角捕捉了水母俯瞰时的灵动之美。艺术家选用白色珍珠光泽纸材，利用其折射光线的特性，营造出迷人的光影变幻。从细腻的轮廓设计到数百个组件的手工塑形与组装，每一处细节都展现了匠心独具的手感温度。
Donkey: Never see a flying angel, 2026
Xie Chengxuan出生于广州，2020 年毕业于香港中文大学艺术系，随后于 2023 年取得伦敦皇家艺术学院 (Royal College of Art) 绘画硕士学位。
Xie Chengxuan的创作以压克力及复合媒材为主，实践的核心在于「解构」。他将物件简化为最基础的视觉元素——点、线、面、色块与纹理，并将其重新建构。由于每位观者具备不同的文化背景与个人感知，作品往往能引发多元的解读。在最终的画面中，各个独立元素持续产生碰撞与互动，使作品表面始终维持着一种「未竟的对话」，充满动态的思辨空间。
Sunlit Lovers 曦, 2026
出生于香港的 Enna Cheung（是一位专注于版画创作的艺术家。她将肌肤视为记忆的载体，把人与人之间亲密而转瞬即逝的连结，转化为恒久的印记。从肌肤到印版，再到纸张，她的创作旨在为真实的连结构建一个充满安全感的空间。
《曦》是 Enna 专为此次展览量身打造的作品，灵感源自于她对情感连结与精致款待文化的体悟。作品生动捕捉了恋人相拥的亲密姿态，并采用了她于 2025 年研发的创新版画技法——这是在与 Print Contemporary 合作个展后，她对软蜡凹版技法的进阶实践。透过铜版的蚀刻与压印，她将那些转瞬即逝的触碰，转化为具备雕塑质感的视觉艺术，呼应了 The Hari 追求细节与温度的空间哲学。
The Lightness of Water
Jennifer Yue Yuen Yu是一位跨领域艺术家兼独立策展人。她的创作实践致力于探索身体在生态、文化与个人层面中的诗意演变。余氏的艺术视角根植于水的多重异质空间 (Heterotopia)——从深井、河流延伸至海洋；透过迁徙叙事、物质记忆与生物研究，她细致考察身分如何在动荡不安的环境中浮现、消解与重组。
在水下，红光是最先消失的色彩，原本温热鲜艳的色泽会随深度增加而变得黯淡；而在陆地上，红色颜料若长期曝晒于阳光下，亦会逐渐褪色、转趋淡蓝。在本作中，艺术家并置了「水底感知」与「阳光曝晒」这两种现实，模拟出一片珊瑚礁海床。她刻意保留珊瑚原始的橘红色调，并将影像印制成类似旅游景点背景的背幕。在展出过程中，海报持续受阳光直射，色彩随时间缓慢漂白褪去，记录下环境与光线对物质的无声侵蚀。
Head nor Tail, 2022
现居香港的菲律宾跨领域艺术家 Katrina Leigh Mendoza Raimann，毕业于伦敦艺术名校 Goldsmiths。她的创作媒介横跨纤维艺术、装置与行为艺术，致力于述说关于亲密关系、情感连结与身体经验的故事。
作品Head nor Tail展现了如同钱币两面般的对比美学。作品的「正面」呈现出规整且细致的刺绣工艺；而「背面」则刻意揭露了交织缠绕、原始且混乱的线条。 Katrina 希望透过这种翻转，重新定义美的标准——不仅在于表象的完美，更在于那些被隐藏的、真实且混乱的侧面，同样具备动人的力量与深度。
Flow of Life, 2025
现居香港的张祈峰 (Kiefer Cheung) 是一位演员、导演，同时也是一位自学成才的类比摄影师 (Analogue Photographer)。凭借对电影与表演艺术的深厚热情，他为静态影像注入了独特的电影感与戏剧张力。
张祈峰主要使用 35mm 及中片幅底片创作，致力于捕捉日常生活中转瞬即逝的片刻，揭示平凡瞬间中被忽略的人文印记。他的创作融合了街头摄影的随性，并大胆尝试打破常规的实验性手法——透过非传统的构图、光影与快门时机，使每一张照片都宛如一帧静谧的电影剧照或一场无声的行为艺术。他特意选用黑白底片以剔除色彩的干扰，还原存在最原始、最本质的形态。他的镜头聚焦于牧羊人与羊群，使它们超越了田园背景的框架，在细腻的灰色调中化为流动的生命象征。
15 West, 21/02/2022, 17:16 – 21/03/2022, 18:50
土生土长的香港画家 Kitty Ng，将绘画视为一场对「时间性」、「欲望」与「记忆」的视觉探究。她深切关注幽默、焦虑、反讽、渴望与抗争等情感，如何在这些意识结构的交织中浮现。在视觉语言上，她重新诠释色彩的运用，并透过符号、手势与色块的重复堆叠，结合中国传统绘画中的「留白」技法，在「刻意安排」与「自动书写」之间寻找平衡。她的作品不仅是感官的纪录，更是内心世界与现实邂逅后的感性回响。
Chartres Garden
Lily Cheung的创作聚焦于绘画与刺绣，借此探索个人与社会之间错综复杂的动力关系。她在不同文化环境间游历与求学的经验，深切影响了其创作路径，使她倾向于实验性的尝试，并致力于挑战媒材的既有边界。
在最新系列作品中，张氏透过「闪烁的反身性」与「不透明性」等视角，考察现代生存中那种动荡不安的本质。作品捕捉了个体在变换莫测的社会与经济景观中导航时，所面临的内在冲突。画面上散落着细微的女性特质痕迹，为宏大的社会评论增添了一层亲密的人文细节，映照出当代社会的变动不居，以及身分碎片化后不可避免的迷失感。
Pasting Up: Toxicant, 2023
Lo Lai Lai Natalie曾任旅游记者，现专注于食物、耕种、发酵、监控及冥想等课题。她透过农耕实践，结合摄影、录像与装置，探索与自然互动的多重路径。
作品Pasting Up: Toxicant借用壁纸的装饰性语汇，揭示隐藏在华丽表面下的威胁。艺术家以自然史插画般的细腻笔触，在木板上用油彩描绘出植物、真菌与昆虫等有毒生物。此创作灵感源于历史上曾含有大量砒霜的绿色壁纸——当壁纸象征着家居的舒适与美感时，这件作品却悄然揭开了危险中的相互依存：捕食者与猎物、毒素与生存之间的化学亲密关系。透过模拟装饰美学，作品邀请观者重新审视大自然的脆弱与复杂，在优雅与致命并存的纠缠中，看见美背后隐藏的暴力与张力。
When the center point is lost
Man Mei To生活及创作于香港与伦敦两地。她的艺术实践透过观察身体的亲密感，探索城市景观与生活百态。她致力于透过复制、重构或量化日常生活中的元素，唤起大众对万物存在的关注，并揭示其脆弱与沉默之间的关联。这种对日常微观层面的专注，使她的作品能向外延伸，将个人历史与社会发展并置，观察人类流动与土地转型，以及劳动中带来的迷失感。这些主题构成了她对艺术创作中流动性与张力的持续探索，并特别聚焦于「流动性 (Liquidity)」这一概念。
身体的部位，尤其是「双手」，在她的作品中是承载无声意义的容器。身体语言揭示了言语无法传达的情感：它传承了传统、反映了社会变迁，并记录了个人历史。透过姿态与媒材的运用，她镜射出主体的内在生命以及劳动本身的本质。
Trial Piece C60St90>C100St50, 2025
现居香港的艺术家 Rivian Cheung ，其创作实践以雕塑为核心。她致力于研究与探索自然媒材的本质与潜力，经常将植物的物理性解构作为主要的创作手段。近年来，她研习传统造纸技法，试图将民间手工艺融入当代雕塑实践中。在透过操弄多样媒材进行个人表达的同时，她亦强调展现材质本身独有的原生特质。
在作品Trial Piece C60St90>C100St50中，每一丝自然纤维都承载着各自的故事。这些源于树木与未经加工植物的纤维，刻划着时间的痕迹与大自然的力量。这些原本作为自然界副产物的色泽与纹理，在她的手中被赋予了全新的定义。透过这件作品，张氏不仅创造了一个静态的艺术物件，更将关于媒材、技法以及她对当代纸艺的体悟，永恒地定格为一场跨越时空的对话。
Freud’s Room, 2024
Wong Sze Wai透过揉合记忆、想像与历史的「精神景观」，探索个人与集体叙事间的交织。她着迷于被遗弃的空间与荒废的物件；那些静默的残骸映照出她内心的孤寂感，并与潜藏的童年记忆产生共鸣。
她采用古老的石窟壁画技法，透过泥土、矿物颜料与水墨的层叠堆砌，营造出模拟岁月更迭的斑驳质感。这种创作方式让她能传达出物理与情感上的双重深度——每一层叠加都代表了一个被保留、被改写或被抹除的瞬间。她的绘画多以游乐场、故居与庭院为题，这些空间曾满载生活气息，如今则作为人类活动的过往残影而存在，诉说着时间的流逝。
Betwixt/Arcane 2, 2025
Tobe Kan的艺术实践聚焦于人类环境中植物共生的细微观察，其灵感多源自日常散步、公园及植物园。她的创作横跨绘画、素描与装置艺术，持续探索「临界状态」(Liminality)、「无常」、「距离」与「身分」等课题。
这一系列作品源于她在英国与欧洲生活期间对身分认同的深刻反思。艺术家深受那些介于私人与公共、定居与迁徙之间的「中间地带」所吸引。对她而言，The Hari 的空间提供了一种暂时性的栖居——它既熟悉得令人感到安全，又充满了无数旅人交织的气息。这组作品旨在引起那些在不同空间与时刻中漂泊的人们的共鸣，探讨我们如何在携带着无法褪去、只能重新植根的记忆中，学习安住于当下。
夏利里拉酒店有限公司董事主席及行政总裁
自一九五九年创立至今，夏利里拉集团始终由夏利里拉家族全资拥有，作为植根香港的私人企业，在酒店投资与管理领域积累逾六十年深厚经验。集团旗下拥有及营运约十五间酒店物业，网络遍布香港、中国内地、亚洲、欧洲及美国。
近年集团积极开拓自有品牌，伦敦夏利酒店于二零一六年八月正式开幕，香港夏利酒店亦于二零二零年十二月隆重启业，标志着企业发展的重要里程碑。
伦敦知名艺术机构 A Space For Art 创办人及总监
Charlie Smedley先生作为A Space For Art创办人暨艺术总监，始终以前瞻视野搭建艺术交流平台，荟萃国际级艺术家与文化机构，为全球顶级餐厅、奢华品牌及企业策划流动艺术典藏。
逾十年来，A Space For Art始终走在艺术与空间对话的前沿，持续将精致艺术引入英国及全球各地的非凡场域，成就跨越疆界的美学对话。
白立方亚洲区董事总经理
Wendy Xu于2017年加入白立方，在管理区域营运及推动画廊亚洲业务发展方面担当关键角色。
白立方作为国际顶尖当代艺术画廊，旗下汇聚逾60位国际级艺术家及艺术家遗产基金。秉持「艺术赋予生命丰盛底蕴」的核心理念，白立方于纽约、伦敦、巴黎、香港及首尔五大艺术枢纽持续呈现跨大陆展览企划。
TASCHEN亚洲零售总监
TASCHEN亚洲零售总监Frankie Ho将其对艺术与商业的双重热忱注入职责，立足香港并积极推动品牌于亚太地区的战略拓展与文化布局。
凭借对艺术的敏锐鉴赏力及深厚的市场洞察，Frankie致力在亚洲打造TASCHEN独特的品牌体验，引领众人踏入这个绚丽而大胆的出版世界——从建筑、情色美学、艺术设计、时尚摄影，至流行文化、生活风格与旅游哲学，尽藏于其引人入胜的典藏书籍之中。
Ben Brown Fine Arts 董事总经理
韩宛筠女士将凭借其于纽约Mitchell-Innes & Nash画廊积累的深厚经验，主理Ben Brown Fine Arts 画廊业务拓展并协同团队深化策展规划。
画廊由苏富比资深专家Ben Brown于2004年在伦敦创立，2008年即于布鲁克斯街扩建第二空间。随着2009年进驻香港毕打行开设画廊，正式开启其国际化布局的里程碑。
CHANEL北亚洲区艺术与文化总监
李安琪是一位致力透过策划沉浸式艺术体验，构建大众与艺术深度连结的文化工作者。
生于中国的她，人生轨迹遍及南京、克利夫兰、旧金山、洛杉矶与剑桥。 2019年移居香港，出任独立艺术空间Para Site教育与公共项目策展人。平日是全心投入的艺术职人，闲暇时则化身视觉叙事者，在创作中找寻心灵的栖息。
本地艺术家陈嘉翘 (Chan Ka Kiu) 凭借其录像装置作品《手手》荣获冠军，并获得由夏利里拉酒店有限公司董事主席及行政总裁夏雅朗博士(Dr. Aron Harilela) 慷慨捐赠的港币 $100,000 奖金。
艺术家王思遨 现于香港生活与创作。其作品以极简的多媒介手法，将艺术转化为充满探询意味的载体，透过隐喻式的提问，直指当代沟通中的断裂与悬念。
她擅长运用文字游戏与时间的虚幻概念，编织出充满诗意的叙事结构，在精炼的视觉语言中，展现对人际疏离与时间流逝的深刻沉思。
跨领域艺术家吴佳儒游走于绘画、装置与动态影像之间，其创作深入探讨神话叙事、文化传统、历史记忆与当代现实的复杂关系。
近期作品《spillovers_i & ii》源自艺术家对自动绘画的再探索，融合抽象与具象元素，引领观者凝视当代社会中那些难以言表的暴力细语。这组互动作品更暗藏巧思：欢迎观众开启闪光灯拍摄，透过镜头捕捉画布上隐而未显的折射视角，揭示作品深层的隐喻维度。
